Desde el cuerpo a la verdad.

Nacho Duato

Coreografía de Nacho Duato por la Compañía Nacional de danza

La compañía

Fotografía de la Compañía nacional de danza

¿ se ha agotado la danza?

Acerca de la ausencia del movimiento en algunos coreógrafos actuales y la concepción de danza contemporánea:

La percepción de un espasmo en el movimiento coreografiado produce una
ansiedad crítica; es el propio futuro de la danza lo que parece amenazado por la
erupción de un tartamudeo cinestético (Andrei Lepecki).

Cuando vemos danza a partir de la NO danza y desde la ausencia de movimiento , entendida ésta como arte autónoma desde el renacimiento y alineada cada vez más con un ideal de motilidad (Lepecki, “agotar la danza”, pág 4), con parámetros que pueden llegar a confundir a quien la ha conocido como la perfección extrema del movimiento desde el adiestramiento de los cuerpos hasta a veces la modificación de los mismos, desde una edad muy temprana, puede parecerle sorpresivo que hablemos de danza dejando de lado esos parámetros y NO danzando en la concepción original del término(sin dejar de hacer mención al entre dicho de qué es danza y si la misma está ligada necesariamente al movimiento fluido como se ve en el libro de Lepecki, “Agotar la danza”), pero si pensamos que hoy puede ser el discurso el que cambia y que se ha llegado a una búsqueda de verdad al interpretar, desde ahí podríamos comenzar a encontrar un sentido a esta nueva forma de hacer danza, en donde puede no ser un bailarín adiestrado para este fin quien interprete, o en donde ese mismo bailarín que pudo haber recibido esa formación a cabalidad en la tradición misma de alguna de las técnicas, es quien está no danzando cuando hace danza y es en este conflicto en que confluirán las dudas y encontraremos el otro polo de quien finalmente defendiendo este derecho a no danza en pos de la verdad del cuerpo y su capacidad de expresión casi se sorprenderá al ver el más mínimo de los movimientos fluidos en la representación, aduciendo que quien fluye en una coreografía no está haciendo danza de hoy (podría decirse danza contemporánea). Situándonos en el primer polo habrá quienes nieguen todo valor a parte de la danza de hoy (danza contemporánea) por carecer de suficiente fluidez en el movimiento, así como de desafíos técnicos o virtuosos que le dieran más valor al lenguaje corporal para elaborar la representación y no entenderán que en nombre del discurso político que lleva toda obra, en pos de acercarse a una verdad y a una renovación en la danza ésta utilice formas que alejándose del movimiento se autodefinen como danza desde el trabajo de quien se autodefine como coreógrafo y finalmente quienes son definidos como bailarines, sin hacer ningún esfuerzo o evidenciar un entrenamiento en el arte que aluden estar utilizando para comunicar su discurso.

Y desde el discurso político al que se alude en el párrafo anterior que podemos recordar el texto de Oscar Cornago, cuando hace alusión a la sociedad de los cuerpos sin cuerpo y finalmente, haciendo mención a Judith Butler sobre cuerpos que no importan, que podríamos entender que hoy un importante número de coreógrafos y/o bailarines contemporáneos cuando quieren hacer su denuncia a través de la danza, representan su incomodidad frente a esta frivolización desde sus propios cuerpos, o los de sus ejecutantes-intérpretes en el caso de los coreógrafos, que hoy muchas veces encontramos es él o los mismos, que en franca rebeldía se niegan a proponer la danza desde los parámetros tradicionales a los que se hace alusión y a no querer entrar en el juego de la “oferta” corporal como fin, prefiriendo estar en una búsqueda que hoy por hoy les tiene en quietud en relación al movimiento como lo hubiéramos concebido hace no más de 10 o 20 años atrás, desde ahí podría decirse que el cuerpo está hablando con la verdad, elaborando un discurso que kinéticamente va desde lo creíble y realizable por la mayoría de las personas y en algunos casos aun pudiendo interpretar la ejecución desde el virtuosismo técnico por la formación que pudieron haber tenido, éste queda postergada en pos de hablar desde la verdad en cuanto al movimiento o no movimiento de la propuesta escénica, así encontrando los espacios naturales del yo-actúo, desde su cuerpo biológico como vemos en la obra a la que hace alusión Cornago, “Perro muerto en tintorería” de A. Liddel cuando dice: –el cuerpo es lo único que produce verdad-
Ahora la pregunta va para quienes no hacen este tipo de danza y que sin embargo tienen un discurso contemporáneo en cuanto a su línea argumental, pero siguen usando técnicas concebidas en la búsqueda de alcanzar un ideal, a veces casi un imposible en relación a las capacidades del cuerpo, acompañado de un discurso que exprese una conflictiva contemporánea, el cuerpo que ya no se ofrece desde una verdad del movimiento ¿deslegitima su cuestionamiento o crítica? Esta pregunta que quedará abierta en virtud de que no es intención de este ensayo aclarar que es y que no es danza hoy, sino mantener vivo el comentario sobre la posibilidad de llegar a la verdad a través del cuerpo y si para ello necesitaríamos eliminar o neutralizar cualquier movimiento ondulante, fluido o estacato que nos sacara de la verdad, o bien la búsqueda de lenguajes que sumando todo aquello vayan elaborando un discurso que hable de todos modos desde la verdad, pero con un enriquecimiento virtuoso y así finalmente reflexionar sobre realidades como la muerte, la vejez, los niños o los animales (Cornago) y acá podríamos hacer mención a la bra “White darkness” de Nacho Duato en relación al conflicto de la muerte por sobredosis de cocaína.

En contraste con todo lo anterior sería interesante hacer una reflexión de las otras artes en relación a su desarrollo actual, cuando por más que se llegue a una aparente espontaneidad en su obra, sea ésta musical, pictórica, escultórica, los artistas involucrados han recibido una formación clásica o bien han desarrollado su propuesta sin descuidar los orígenes clásicos de cada una de ellas, encontrando en la danza grupos que parecieran renegar de partes importantes del desarrollo histórico de la misma, desvalorizando con ello un período tan importante en la evolución y protagonismo que pueda tener la danza en el concierto de las artes, pareciera olvidando que la autonomía de la que hoy disfruta viene precisamente de esas escuelas.

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Arte erótico

¿Que es el arte erótico?

El erotismo proviene de la palabra griega éros; se refiere al amor apasionado. No olvidemos que eros en la mitología de los dioses griegos es el dios del amor, así como Cupido lo era en Roma. Eros tenía la fuerza de crear una atracción unificadora en la diversidad. En Platón Eros adquiere un foco equivalente al amor o a lo bello, que eleva el alma sobre los sentidos.

La pornografía proveniente del griego, dice la descripción de una prostituta. Porne “prostituta” y grafía “descripción”. La Real Academia Española define a la pornografía como “el carácter obsceno de las obras literarias o artísticas”

En el arte moderno, era considerado arte todo aquello que hecho por el hombre, superaba la belleza natural. Actualmente en la época contemporánea, se consideran como arte muchas más cosas que la superación de lo bello en la naturaleza, el arte pude ser algo que rompe con la belleza, que hace un quiebre, que nos muestra también lo feo o lo abstracto de la naturaleza humana. El arte erótico está basado en el ser humano, en la belleza del cuerpo y en su comportamiento. Este arte no debe ser explícito, vulgar o violento. Debe de haber delicadeza, lo que no se priva de poder ser provocativo, pero siempre resguardando la sutileza. Es el caso de la fotografía, que nos muestre tanto imágenes de siluetas, cuerpos desnudos por completo e imágenes sexuales de la vida cotidiana, osea , puede ser de sexo explícito o sexo implícito, pero siempre guardando una imagen que no sea explícita, que no nos muestre los detalles que causen la sensación de lo vulgar. Esto quiere decir que debe haber un gran compromiso por parte del cuerpo modelo y del fotógrafo, ya que si se pierde este compromiso y profesionalismo, puede dejar de ser arte ya que como muchas veces una imagen es llevada al límite, puede ser en la falta de auto cuestionamiento o la cultura de los artistas, la que crean un arte para ellos mismo, pero que para una gran mayoría ya perdió la sutileza artística y ha pasar a ser algo vulgar, lo cual decimos que dejaría de ser arte erótico, pasando a ser algo más pornográfico . Y lo pornográfico no es algo que se pueda definir dentro de las áreas del arte ya que no es nada sutil.
Debido al fácil acceso de material erótico y pornográfico, hoy en día nadie tiene que moverse de su casa, sin temer a que lo vea algún conocido adquiriendo el material, basta con contar con una computadora o algún número de teléfono que en pocos minutos se adquiere el material. Esto sucede hoy en día, en la llamada época de “revolución sexual”. En muchos casos es una comodidad para aquellas parejas que gozan de este material pornográfico. Pero que sucede con las personas que sufren de adicciones al sexo o de trastornos sexuales. ¿No es un incentivo para aquellos que gozan de pedofilia o que sufren de impulsos sexuales abusivos? , estimulándoles su trastorno y que de esta manera cometan algún delito. Entonces ¿qué tan bueno es que sea tan fácil el acceso al material pornográfico? ¿No debería tener un mayor control?¨
Si usted cree que si debería haber un control con el material pornográfico, entonces estará de acuerdo que no todo puede ser arte erótico, ¿pero como medimos esto?, si lo que es arte erótico o lo que no lo es varía de acuerdo a la subjetividad por parte del espectador y se relaciona con lo que haya vivenciado, donde nació, su cultura y sus conceptos morales. No sería lo mismo el concepto y visión de una persona conservadora de un país árabe donde el predominio del machismo es absoluto, comparado con los de una persona conservadora de cualquier otro país como la India, Nepal, China o Japón donde el arte erótico es parte de su cultura ancestral donde formaba parte de sus creencias y de seguro aquí usted tendrá una visión diferente a esas personas y que el de las personas que están en su alrededor, siendo cada opinión tan válida. Por eso les dejo unas páginas, un poema y unas imágenes, algunas como las de Jeff Koons quien dice que su mujer, conocida como la “Ciccolina”, hace arte genita. Con las imágenes a continuación los invito a exponer su opinión sobre ¿Qué es arte erótico?

Poema erotico
El deseo de ti
Cuando me invade el deseo, pienso en ti, y me imagino lo que estaría haciéndote en ese momento… No tienes ni la más remota idea de todo lo que me imagino contigo y entonces el deseo crece más y mas en mi interior…
Mi saliva vestirá tu piel desnuda;
Mis manos dibujarán como un Da´Vinci tu cuerpo delineando paso a paso con la punta de mis dedos y mas tarde con mi húmeda lengua; Mis caderas bailarán en su fiesta privada con las tuyas y un solo gemido brotará de tu garganta y de la mía… Y el deseo sigue creciendo, ahora tu piel como un abrigo cubrirá la mía y otra vez tu lengua será el cincel de mi tibio cuerpo y de nuevo llegaremos al jardín del deseo… Y esta vez nuestro gemido estremecerá a la tierra y despertará el instinto mas primitivo de los vecinos… Así es mi de seo por ti;
No tienes ni la más remota idea de todo lo que pasa por mi mente cuando el deseo por ti, crece dentro de mi…


Referencias:
http://www.tubreveespacio.com/poemas-01sep04/deseo%20de%20ti.htm (poema)
http://madafakeros.blogspot.com/2010/10/momentos-criticos-en-la-historia-del.html (imágenes)
http://eroticart.galeon.com/inicio.htm (Imágenes)
http://jimarino.com/page/7/ (Uyiko-e erotic. Imágenes)

si quiere informarse mas: http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_las_representaciones_er%C3%B3ticas
http://www.monografias.com/trabajos15/pornografia/pornografia.shtml
http://www.slideshare.net/arseros/arte-erotico

Germán Esquibel

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Creación artística versus críticos y sociedad

Al analizar el concepto creación y sus implicancias en nuestro mundo actual o contemporaneo me asalta la duda de; ¿cuando comienza este proceso?, ¿cuando, tomo el lapiz para escribir?, ¿cuando, tomo el pincel? ¿cuando muevo mi cuerpo/instrumento? ¿cuando, uso la voz?¿cuando es, “una creación”? o ¿cualquier acto que se realiza cotidianamente es, creación?
Dificil cuestionamiento y mas dificil sacar conclusiones y normar para definir este concepto.
Quien establece o funda algo de la nada es un creador pero, ¿en la naturaleza humana existe esto “de la nada”? por supuesto que no. Salvo que sea un ser supremo, ningun ser humano pensante maneja la nada como materia o punto de partida para crear. No existe tal cosa. Solo Dios o como se le defina es el creador supremo.
Entonces, ¿como llegamos a definir un proceso creativo?
Queremos crear, tenemos una inspiración,(problema) buscaremos la solución a ese problema, para que al cabo de un proceso llegar a exhibir nuestra creación(producto final)
Los comienzos de la investigación sobre la creatividad se remontan a la Psicología del pensamiento. Graham Wallas (1926) fiósofo,sociologo racionalista inglés en su libro “El arte del pensamiento”(The art of Thought) habla de pensamiento creativo común al artista y lo segmenta en 4 etapas:
1) preparación, 2) incubación, 3) iluminación y 4) verificación
Según Wallas, la creatividad está asociada vitalmente a la incubación que deviene de una preparación o inspiración, es el momento en que aparece la idea, producto de un impulso interno o externo. Saber incubar la información por el cerebro es un arte que dominan los creadores en todos los campos.
El artista creador, sea cual fuere el discurso a desarrollar,consiente o inconsientemente, vivirá este proceso. No vale la sola
inspiración para crear, el sujeto inspirado inicia un proceso de reflexión o incubación (Wallas) indispensable para madurar la idea, investigar, los senderos a seguir, analizar los distintos caminos a tomar, darle reposo a la mente para reunir las energías necesarias para el momento de la iluminación donde todo cae por su propio peso y donde la realización final ocurre.
Aparece la”obra” creada.
Es interesante imaginar éste momento, el artista creador ha dado a luz. Su obra pasa a ser parte del mundo de los críticos, teoricos, curadores y gestores entre otros, quienes asumen el rol de protectores o depredadores. La sociedad observa y recibe la obra creada que ha pasado el filtro de ésta casta que supuestamente guiará y enjuizará las cualidades y los valores de una obra de arte o quizas para destruirla sin que la sociedad jamás tuvo la oportunidad de siquiera conocer.

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Teoría, ideología y arte contemporáneo

Braunstein

Al pensar que lugar ocupa la ideología en la teoría del arte y en el arte contemporáneo se hace necesario establecer el lugar desde el cual pensamos a los sujetos y los acontecimientos que vivencian. Me parece, entonces, que no es posible mantenerse al margen de los discursos ideológicos que atraviesan ciertas temáticas y también nuestras subjetividades. Incluso algunos autores como N. Braunstein (1977, 1987) proponen que cada elección teórica es una opción ideológica, en este sentido no es en la teoría que se da un espacio al discurso ideológico, sino que, es la teoría la que toma un lugar en la ideología.
Entonces al elegir un marco teórico para un determinado análisis, planteamiento o toma de decisión se asume cierta postura ideológica, una forma particular de entender la problemática del sujeto o de determinado proceso de subjetivación. El asumir en forma manifiesta el vínculo que determinado discurso mantiene con la ideología pretende dar cuenta de cómo su teorización y su práctica van ligadas a una cierta ética y es esta articulación la que moviliza la pregunta sobre el arte contemporáneo, su teoría y la toma de decisiones al interior de este ámbito
En este sentido abordaré el análisis de este tópico como una forma de encontrar los elementos que permitan pensar desde que lugar o desde que forma particular se entiende la problemática del arte contemporáneo, su difusión y teorización. Me aproximaré a esto desde la Teoría del Sujeto de N. Braunstein, ya que desde esta perspectiva es posible entender a los sujetos y sus circunstancias como un conjunto de elementos que constituyen un todo solidario. Desde la perspectiva Braunstiana podemos entender al sujeto como producto de una organización social, que se ha dado cierto ordenamiento, que profesa ciertas creencias, que habla cierta lengua, etc.; y efecto de estructuras anteriores a él: deseo, lenguaje e ideología; que lo incluyen asignándole un lugar en el funcionamiento de la organización social, de este modo se considera al sujeto desde sus determinaciones
Es la organización humana la que estructura a los sujetos y sus comportamientos; esta organización dominada por un modo de producción requiere sujetos que deben integrarse a dicha estructura social y reproducirla, esto se ejecuta en la cultura occidental principalmente por la familia, la educación, la religión y los medios de difusión de masas (Braunstein, 1987). Esta subjetivación también es la que permitirá al sujeto ubicarse en algún lugar de la estructura para elaborar determinado discurso en relación a ella, en este sentido el modo de organización que se da cierto grupo sustentado por alguna ideología creará los lugares donde los sujetos mujeres / hombres deben inscribirse, de este modo el sujeto viene a ocupar un lugar que le preexiste y que está dictado desde la ideología.
Todo lo anterior nos plantea dos cuestiones fundamentales del sujeto. El ser humano al nacer no es una tabula rasa: en la que se expresarán de forma espontánea las potencialidades biológicas, más bien se considera que el sujeto al nacer lo hace para ocupar un lugar que está dado por el discurso, el deseo del otro y la ideología. Por otro lado estas estructuras que preceden al sujeto determinan un lugar que le permanece velado y se vinculan con aquello que no es dicho de forma manifiesta en su discurso, esto aparece como condicionante y delimitador de lo consciente y de lo dicho por el sujeto, sujeto del inconsciente (Braunstein, 1987).
A partir de lo planteado por Lacan (1966 en 1995) es posible afirmar que es el lenguaje el que asegura al ser , por el hecho que habla, si consideramos al inconsciente como una cadena de significantes que en algún sitio se repite e insiste para interferir en los cortes que le ofrece el discurso, una vez reconocida la estructura del lenguaje en el inconsciente, podemos concebir al sujeto del inconsciente como aquel que aparece en la función de corte en el discurso.
Siguiendo la línea Braunstiana si cada ser humano es objeto y destinatario del discurso ajeno desde antes que pudiese hablar, discurso que se plasma en el lenguaje, obedeciendo a su ordenamiento, y que determina el discurso del sujeto; si bien existe el sujeto como autor de un discurso (el Yo) “el sujeto ideológico es efecto y agente de prácticas discursivas que regulan su representación imaginaria de la relación con sus condiciones reales de existencia” (Braunstein, 1987; pp.95). Si reconocemos que es preferentemente por medio del discurso del otro que se plasman las determinaciones ideológicas de una organización y a través de éste que el sujeto hombre/mujer se incorpora a ella. Es posible plantearse la pregunta acerca de: ¿qué elemento entran en juego en la toma de decisiones en el arte contemporáneo?, ¿qué nos están diciendo los autores a través de sus elaboraciones teóricas y los creadores a través de sus obras?, ¿cuales son sus consecuencias?
En las artes escénicas, hoy en día, se nos habla mediante la labor de los curadores de arte, de quienes tienen el poder de entregar financiamiento y de quienes están encargados de la formación de los artistas de una cierta moral, un deber ser en la escena actual. A partir de la cual es posible detectar un matiz moralizante que contiene en la misma lógica del discurso cierto colonialismo que la teorización de la escena contemporánea denuncia en su discurso explícito.
Es así como los curadores de arte, investigadores y teóricos, producen y reproducen un discurso, una ideología que viene a tomar su lugar en lo pre existente, en este caso, en el arte contemporáneo y que éstas prácticas discursivas subjetivan al hombre/mujer, determinan un lugar que le parece velado. Esto adquiere importancia en lo concreto principalmente en dos aspectos, uno referido a la ética de la construcción teórica y el otro en relación a la formación en artes escénicas.
El primer aspecto, la ética en la construcción teórica, nos invita a reflexionar acerca de la responsabilidad del autor o gestor cultural de explicitar desde que lugar elabora su discurso, un lugar que es ideológico, político, social y geográfico. Considerando siempre la heterogeneidad de la subjetivación en cada sujeto, en este sentido no existe una realidad, una verdad, sino muchas. También nos hace un llamado implícito, considerando el lugar desde el cual se está elaborando el discurso, a la congruencia teórica (de qué y de quien estoy hablando cuando estoy hablando).
En relación al aspecto de la formación, cuando se entrega un contenido teórico se está entregando también ideología. Aquí la reflexión que invito a hacer está ligada a la homogenización de pensamiento, a la multiplicidad de elementos necesarios para constituir el todo solidario del que habla Braunstein que extrapolado a nuestro quehacer permite a cada hombre/mujer realizar su propio proceso de subjetivación. Aquí también se plantea un ejercicio de explicitar posiciones y entregar diversidad de contenidos en la formación en las artes escénicas.
En conclusión planteo que una reflexión sobre arte contemporáneo y política, necesariamente se enriquecería con la integración de elementos como ideología y teoría, ética y moral discursiva, para así complejizar la discusión, sobre todo en el contexto de la formación en artes escénicas, la labor de los gestores culturales, quienes están encargados de asignar financiamiento y de la producción teórica.

Referencias

Braunstein, N. (1977). Psicología, Ideología y Ciencia. México: Siglo XXI.
Braunstein, N. (1987). Psiquiatría, Teoría del Sujeto, Psicoanálisis. México: Siglo XXI
Lacan, J. (1995). Subversión del Sujeto y Dialéctica del Deseo en el Inconsciente Freudiano. En Lacan, J. (1995). Escritos 2. (pp 773 –807). México: Siglo XXI.

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El rol del artista contemporáneo, crítico y teórico de arte, en el desarrollo individual y social..

La crítica y la teoría son muy importantes para el desarrollo del arte y éste es vital para el desarrollo del hombre.

El arte es un fenómeno humano. Toda creación (divina o humana), es la manifestación de algo que previamente no existía. Cuando el artista crea, hace aparecer en este mundo algo que antes no estaba, un objeto, una emoción, un texto, un sonido, un movimiento. ¿De donde lo saca?, ¿Es la imaginación una dimensión espacio temporal ?, ¿Es el artista un viajero en el tiempo?

Podemos decir que la crítica es un “puente directo” entre la obra de arte, artista o exposición y el espectador. En general, está referida a una valoración estética subjetiva que se apoya en la historia del arte. En cambio la teoría del arte es un “puente ramificado”, que engloba las manifestaciones artísticas y que analiza desde diferentes puntos de vista el fenómeno del arte, la obra y el artista, aportando metodologías para desvelar sus significados.

El artista contemporáneo en su fase netamente creativa, empuja el borde de lo conocido y se mueve hacia lo desconocido.
Este proceso creativo en el que se sumerge el artista a explorar con sus propias herramientas (conocimientos, preguntas, metodologías, experiencia, técnicas y lenguajes) y sus sentidos intuitivos, constituye una sustancia vital para el desarrollo del hombre. En cierta forma el artista contemporáneo cumple un importante rol de explorar nuevos mundos y lenguajes imaginarios. Para ello podríamos decir que viaja en el tiempo y se desplaza en el espacio creando caminos virtuales hacia nuevos territorios, que luego plasma en el presente con su obra.

El nuevo material “encontrado”, “extraído” y “recolectado” por el artista en sus viajes en el espacio/tiempo imaginario, no sólo nutre la obra de arte, sino que analizados con los ojos prismáticos de los especialistas, dan claves y códigos para comprender nuevos paradigmas, desarrollar nuevas inteligencias y potenciar las posibilidades de existencia del hombre.

Si bien el conocimiento del artista se amplía con cada proceso creativo, una parte significativa, queda fuera de su campo de visión, “en el lado oscuro de la obra”.
El que la obra sea vista, criticada, analizada y contextualizada trae luz sobre estas zonas oscuras y permite que las riquezas de la obra florezcan mas allá de ella. Esto impacta como un eco en el artista, pero sobre todo disemina las semillas de nuevos lenguajes y con ello aumenta nuestra capacidad intelectual y sensible de hacer contacto con lo desconocido.

Es aquí donde críticos y teóricos juegan un importante rol.
Ambos facilitan la interacción con la obra y de esta manera propician el desarrollo del arte y la sociedad.

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Proyecto Gran Sur de Fernando Prats representará a Chile en la Bienal de Venezia

Fotografía de Fernando Prats

” Gran Sur” proyecto creado por Fernando Prats, esta es una de las fotografías que fue seleccionada para la Bienal de Venezia 2011 por el curador Aravena.

-“El Lugar del Deseo” obra de Paulina Mellado que representó a Chile en la Bienal de Danza de Lyon en el año 2002, esta obra fué seleccionada por el curador francés Guy Darmet.

-“Neva ” Ópera prima de Guillermo Calderón, director de la compañía Teatro en el Blanco .
Estrenada en el año 2006 ha participado en Teatro a Mil, FIBA y una intensa gira por el continente europeo.
Quisiéramos plantear la pregunta:

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¿Qué criterios fueron los usados para que fueran estas obras las que representaran a Chile en eventos de tal magnitud?,
Los curadores, jurados o seleccionadores ¿Por qué no están otras obras o artistas en estos eventos?,
¿Hasta dónde llega el poder de los curadores?,
Cuando una obra es elegida, ¿se evalúa el impacto social de la misma?,
El discurso político de la obra ¿representa la identidad nacional?.

CON ESTAS CUATRO PREGUNTAS LOS INVITAMOS A PARTICIPAR DE NUESTRO BLOG ACERCA DE TEORÍA, POLÍTICA Y ARTE CONTEMPORÁNEO Y CONSENSUAR O DISCUTIR SOBRE LA RELACIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO CON EL PODER Y LO SOCIAL.

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